Em 17 de maio de 1863, Paris viu a abertura do Salon des Refusés, uma exposição de obras que foram rejeitadas pelo júri do prestigioso Salão de Paris, realizada anualmente pela Académie des Beaux-Arts. Foi a primeira vez que o termo vanguarda, ou vanguardismo, foi usado em relação às artes, e marcou o início de uma revolução cultural.

Em termos de arte, a vanguarda está associada à inovação estética – algo que muitas vezes é mal compreendida ou não aceite no seu próprio tempo. É um conceito que se aplica aos criativos que lutaram contra os ideais da corrente dominante e, embora seja frequentemente usado em relação ao modernismo, pode ser genericamente definido como um grupo de pessoas que desenvolve ideias novas e muitas vezes surpreendentes em artes visuais, literatura e cultura. De entre alguns dos movimentos artísticos inseridos nesta vertente existe o Impressionismo, Dada, Construtivismo, Futurismo e Cubismo.

Victor Margolin – professor, designer e historiador Americano – aplica a palavra “modernista” para se referir aos designers que alinharam o pensamento do design aos valores científicos e tecnológicos em desenvolvimento entre 1900 e o final dos anos 60 – entre eles artistas-designers de vanguarda.

Uma grandiosa figura desta altura é Henry van de Velde. Ficou conhecido como arquiteto, artista e designer belga pioneiro da Bauhaus (que viria a afetar todos os pilares do design, incluindo gráficos, tipografia, produtos e móveis). Movido pelas teorias de William Morris, em 1902 quando de mudou para Weimar, fundou a Escola de Artes e Ofícios, que dirigiu de 1906 a 1914. Esta mais tarde, tornou-se a famosa Bauhaus, centro do Movimento Modernista na Alemanha.

Henry van de Velde foi também um dos principais artistas do movimento Art Nouveau. Opunha-se ao historicismo – ideologia que defende que o valor do ser humano reside na sua história – e tinha como tônica de seu discurso a originalidade, a qualidade e a volta ao artesanato – Arts&Crafts.

A nível de design o autor desenvolveu projetos gráficos e mobiliário, mas também joalharia e cerâmica. Os seus designs de móveis são lineares, altamente detalhados por decorações inovadoras e expressivos designs ornamentais e com fortes elementos tradicionais. Nos seus projetos arquitetônicos e de design de mobiliário, as linhas dinâmicas atuam em contraste com formas massivas.

As cadeiras Bloemenwerf foram criadas para uma casa que Van de Velde construiu para si e para a sua família nos arredores de Bruxelas em 1895. Ele supervisionou todos os aspectos do projeto – desde a elaboração de planos arquitetônicos até a concepção de cada item de mobília. A casa Bloemenwerf, como ele a chamou, tornou-se uma mostra da estética bonita, mas prática, do artista. Este produto foi criado com o objetivo da função e utilidade, no entanto as suas linhas curvas que se abrem ligeiramente nos pés e no assento, sugerem  adaptação morfológica a um abraço – é como se quisesse receber o usuário. Este design foi distinguido pelo domínio do design e, como tal, lançou as bases para a reputação de seu criador em toda a Europa entre aqueles em Berlim e Paris que estavam seriamente interessados ​​em design inovador.

Outro produto igualmente icônico e inovador é o bule de Bloemenwerf criado em 1904. Este não é o tipo de bule que vimos nas mesinhas de centro de nossos parentes, com bicos de tromba de elefante e acabamentos florais. Esteticamente, é diferente de qualquer outra peça de cozinha do período modernista inicial: produzida em massa, propositalmente normal e totalmente funcional. Este produto não é o resultado de um movimento, mas o trabalho de um homem.

Joseph Hoffmann é outro autor – arquiteto e designer – também caracterizado como um dos designers influenciados pelo movimento Arts and Crafts.

Durante o seu percurso escolar, Hoffmann fundou um grupo denominado de Siebener Club, um grupo que futuramente se viria a tornar na Secessão de Viena – um movimento artístico que floresceu na Áustria, especialmente em Viena, entre 1892 e 1906 e que se caracterizou como sendo um enorme ímpeto de renovação de formas artísticas que conhece todo o Ocidente no final do século xix. 

O sanatório foi uma das primeiras encomendas importantes dadas ao Wiener Werkstätte, uma oficina colaborativa fundada em 1903 por Hoffmann e Koloman Moser e que adotou muitos dos princípios do movimento British Arts and Crafts de bom design e artesanato de alta qualidade. O Sitzmachine, ou “máquina para sentar”, foi projetado por Hoffmann para seu Sanatório Purkersdorf em Viena. Representa uma das primeiras experiências de Hoffmann na unificação de um edifício e seus móveis como uma obra de arte total.

O autor relatou em relação aos edifícios: “Não se trata de recobrir uma estrutura com ridículos ornamentos em cimento moldado, feito industrialmente, nem impor como modelo a arquitetura suíça ou as casas com empenas. Trata-se de criar um conjunto harmonioso, de grande simplicidade, adaptado ao indivíduo (…) e que apresente cores naturais e uma forma feita pela mão de um artista (…)”.

Joseph Hoffmann assim é nos apresentado e caracterizado como uma figura que apresenta o pioneirismo no movimento modernista na Europa, com o seu design simples e focado, que posteriormente chega a tornar-se internacional, devido ao legado que deixou, com uma forte influência do seu filho e de um ex aluno que exibiram o seu movimento quando emigraram para Nova York, que contribuíram significativamente para o modernismo americano.

    Mais recentemente, no início do século XX , Eileen Gray fazia história na área do design e arquitetura como uma pioneira que conquistou seu espaço no mundo hostil e centrado no homem do Modernismo.

    Nascida em Enniscorthy, County Wexford, Irlanda, em 1878, Eileen Gray passou a infância em Londres e foi uma das primeiras mulheres a ser admitida no Slade, onde começou a pintar em 1898.

    A experiência que ela adquiriu trabalhando neste meio altamente especializado influenciou-a profundamente quando ela se mudou para Paris em 1902. Após um treinamento adicional em trabalho de laca e marcenaria, ela rapidamente se estabeleceu como uma das principais designers de telas laqueadas e decorativas painéis tão amados pelos seguidores do art déco. Estas telas fundiam o artesanato tradicional japonês com os princípios geométricos abstratos de De Stijl, um movimento de arte holandês ativo após a primeira guerra Mundial. Essas peças reduzidas, com sua contemplação cuidadosa sobre a forma e o material, rapidamente chamaram a atenção da vanguarda parisiense para seu trabalho.

Durante as décadas de 1920 e 1930, ela tornou-se uma das principais expoentes das novas teorias revolucionárias de design e construção. Ela trabalhou em estreita colaboração com muitas das figuras proeminentes do movimento moderno, incluindo Le Corbusier e J.J.P Oud. Bem à frente do grupo, ela exibiu móveis de cromo, tubo de aço e vidro em 1925 – o mesmo ano que Mies van der Rohe e Marcel Breuer e bem antes de Le Corbusier.

Eileen Gray apresentou-se como uma força contrária à época em que vivia, apesar de se considerar tímida: “I was not a pusher and maybe that ‘s the reason I did not get the place I should have had.”

    Conseguiu reconhecimento pela sua força criativa e inovação, contrariamente ao que seria de esperar na época em que vivia devido ao domínio masculino do setor em que se inseria.

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Publicação desenvolvida no âmbito da cadeira de História do Design Industrial na Escola Superior de Artes e Design

Autores

Eva Rocha e Gustavo Silva